Entrevue avec André Pappathomas pour Les Papes Hurlants

Pour la 7ème édition du Festival Montréal/Nouvelles Musiques, André Pappathomas crée un événement grand public sur la thématique de l’environnement. Sous la direction de celui-ci, qui jouera également des instruments – à cordes – inventés, on retrouvera l’ensemble Mruta Mertsi  (choeur mixte de 16 voix – dont les solistes Marie-Annick Béliveau, Anne Julien, Janet Warrington, Annie Jacques, Martin Quesnel…), le Grand Choeur Bref (120 voix), une formation de 10 cuivres et bois, Rachel Burman au violoncelle et à la composition de trois pièces, Olivier Maranda à la percussion, ainsi que Lori Freedman à la clarinette basse. L’ensemble investira le Complexe Desjardins à 23h00 lors de la Nuit Blanche de Montréal en Lumières.

Inspiré par la série de toiles Les papes hurlants réalisée par Francis Bacon, le compositeur s’interroge sur des questions sociétales telles que le dérèglement de la planète et la perte de contrôle de la pensée sociale. Le 28 février prochain, l’ensemble des artistes laissera place à une connivence sensorielle qui surmonte tous les doutes inévitables dans un contexte de création in situ. Explication.

L’improvisation contrôlée: une nouvelle direction artistique

L’Ensemble Mruta Mertsi ainsi que le Choeur Bref – ensemble crée pour l’occasion, vont nous livrer un spectacle tissé autour de compositions ainsi que d’improvisations vocales et instrumentales contrôlées.

Ce phénomène de connivence n’est il pas propre au processus de création?

Il n’est pas question ici de se retrouver dans un brouhaha incontrôlable car la méthode employée par André Pappathomas exige une écoute rigoureuse et créatrice qui doit se prolonger pour chacun des artistes dans un acte de composition. Le compositeur pousse ces artistes à se questionner tout le long de l’œuvre, et donc à optimiser l’ attention portée vers ceux qui les entoure.

La partie instrumentale jouera sur les mêmes diapasons. Les musiciens professionnels devront se laisser guider plutôt d’une part par des partitions graphiques et conventionnelles et d’autre part par cette forme particulière de direction d’ensemble. C’est une façon singulière de manœuvrer une somme de choristes et d’instrumentistes qui élaborent leur jeu à partir des gestes de leur chef.

André Pappathomas construit une architecture à partir de ces voix, plus malléables tout en laissant une grande part à l’expression des chanteurs et des musiciens.

Cette ouverture dans le choix des notes fera de cette représentation, un moment unique puisqu’il sera impossible de le refaire à l’identique la prochaine fois.

Derrière les Papes Hurlants

Cet année, le Festival MNM met à l’honneur deux thèmes pertinents: les nouvelles technologies et l’environnement. En se laissant inspiré par le second, André Pappathomas va nous imaginer une réflexion sonore à partir de la série de toiles peinte par Francis Bacon Les Papes Hurlants. Réalisés dans les années 50, le peintre a repris un des chefs d’œuvre de Velasquez, pour mettre en lumière son état émotif face à cette figure dominante. Dans la version de Bacon, on peut imaginer un cri qui émane de la bouche de ce pape mais qu’il ne parviendra jamais à exalter.

Touché par ce personnage, André Pappathomas interprète et calque ses sensations sur une composition sonore soumise à l’improvisation et donc au doute . Cette prise de conscience soudaine dans l’expression du Pape est à la fois touchante et dérangeante. C’est comme si aujourd’hui, cette figure dominante était à l’origine de cette perte de contrôle politique, économique et environnementale est que – responsable de cet état de fait, elle exprime son malaise.

Dans un monde fictif, on peut imaginer un décideur à la tête d’une industrie agro-alimentaire ou un président qui jongle avec l’exploitation pétrolière, prendre conscience de la situation qui lui échappe. Cette situation irrévocable dont il est le responsable, le plongerait soudain dans un sentiment de torpeur – accompagné de hurlements de douleur poussés en vain.

Ces voix qui s’élèvent demeurent un appel, une interrogation sur l’état actuel des relations de l’Homme avec la Nature. En faisant l’emphase sur la notion de doute,  le concert illustre ce qui est caché à l’intérieur des toiles de Bacon. Doute sur l’avenir de l’Homme. Va t-il mener une politique d’autodestruction ou va t il apprendre à se préserver en respectant ses pairs ?

 

Devenez un des Papes hurlants sur la Grande Place du Complexe Desjardins le 28 février à 23h

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Denis Gougeon, un compositeur heureux

Après avoir participé et assisté à quasiment l’intégralité des évènements de la Série hommage, comment se sent le principal intéressé? C’est pour répondre à cette question et bien d’autres que Laurence, notre blogueuse, s’est entretenue par téléphone avec Denis Gougeon, encore ému d’avoir assisté le matin-même à une interprétation d’une de ses œuvres en langage des signes. Ce fut l’occasion de nous expliquer ce qu’il retiendra de cette mise à l’honneur:

Une intensive mise en lumière

Tout en étant moins visible du public, le métier de compositeur nécessite de rencontrer très régulièrement interprètes et chefs d’orchestres. Denis Gougeon est un compositeur prolifique qui a donc l’habitude de telles interactions. Ce qui, pour lui,  a fait sortir cette année de l’ordinaire est surtout la concentration en une cinquantaine d’évènements qui ont entrainé de considérables relations sociales. Une telle concentration, qui lui a donné plus d’une fois l’impression d’être une égérie de musique rock, peut devenir très éprouvante physiquement et moralement. Physiquement, il a pu être parfois difficile de demeurer disponible et réactif, particulièrement lorsque, dans une même semaine, jusqu’à cinq concerts et leurs répétitions sont programmés. Moralement, il a fallu apprendre à recevoir un «tsunami d’affection». Entre les concerts et les rencontres dans les écoles, la saison écoulée a été extrêmement enrichissante; Denis Gougeon s’est senti véritablement nourri par toute l’attention reçue. Il est touché par le fait qu’autant d’interprètes ont choisi de programmer ses pièces et reconnaissant d’avoir ainsi pu s’insérer dans leurs parcours.

La redécouverte de certaines pièces

S’il n’a pas été surpris par les multiples interprétations de ses œuvres, ayant pleinement confiance en leurs interprètes et certaines étant régulièrement jouées, Denis Gougeon a particulièrement apprécié d’avoir eu l’opportunité d’entendre Violoncelle-Pluton, pièce moins jouée de son Six thèmes solaires. Écouter les interprétations de plusieurs artistes formidables dont Gabriel Prynn et Isabelle Bozzini lui a donné l’impression de réapprendre à aimer cette pièce. Ce fut ainsi un grand bonheur de la redécouvrir en travaillant très étroitement avec les interprètes.

Denis Gougeon a également apprécié d’entendre la diversité des interprétations de certaines œuvres:

Une année de composition intensive

Cette saison a constitué pour Denis Gougeon un véritable marathon de composition qui a débuté avec Voler comme un oiseau pour les élèves du primaire puis En Harmonie pour le concours du CMC à rendre mi-août pour que Louise Bessette ait le temps d’enregistrer la vidéo:

Après avoir terminé Voler comme un oiseau, Denis Gougeon s’est aussitôt rapproché de la Fédération des associations de musiciens éducateurs du Québec (FAMEQ) pour connaître l’instrumentation de l’œuvre commandée afin de s’atteler rapidement à la composition de Chant de l’Amitié. La majeure partie de l’été a ensuite été consacrée à la composition de Andante Sostunento pour 2 pianos que Brigitte Poulin et Jean Marchand ont créé lors du concert Alter Face du 8 décembre suivant. Il a alors été temps de travailler sur l’arrangement de Pulau Dewata de Claude Vivier, toujours pour le concert Alter Face. Puis l’automne est arrivé avec la reprise de l’enseignement à concilier avec la composition de Ballade opus 30 commandé par I Musici. Après s’être assuré que l’œuvre serait programmée le plus tard possible par I Musici, Denis Gougeon s’est fixé son propre échéancier : il lui était nécessaire de rendre son travail au plus tard mi-mars et idéalement en février afin de permettre à la copiste de réaliser les partitions de chaque instrument et d’assurer une période raisonnable de répétition aux interprètes.

Conscient de sa capacité de travail, c’est en connaissance de cause que Denis Gougeon a accepté ces nombreux engagements. Il savait qu’une organisation rigoureuse serait nécessaire pour correctement gérer son temps de création selon les spécificités de chaque demande (durée de l’œuvre, instruments, etc…) même si ce serait au détriment de ses vacances.

Un bilan provisoire de carrière

Dans un sens, la Série hommage a permis à Denis Gougeon de constater le chemin parcouru depuis ses débuts. Outre la joie de constater que toutes les œuvres jouées continuent de l’être, la concentration des évènements en quelques mois lui a permis de se rendre compte du chemin que chaque pièce a parcouru. Certaines sont jouées plus souvent que d’autres. Piano-Soleil, par exemple, est joué et enseigné très souvent et un peu partout. Un peu comme une comète, certaines pièces sont vites appréciées. D’autres plus difficiles et parfois plus coûteuses à monter, du fait de leur instrumentation, sont moins connues et moins jouées. Il demeure que la Série hommage a permis à Denis Gougeon de se rendre compte du large éventail de ses créations allant des œuvres pour musique vocale à celles pour orchestre en passant par les pièces pour pianos, celles pour cordes ainsi que les percussions. Sa diversité s’est également révélée par la variété de ses interprètes qu’il s’agisse d’orchestres symphoniques ou de chambre professionnels, de cantatrices,  d’ensembles contemporains, d’ensembles de la relève et mêmes d’élèves du primaire et une compagnie de théâtre. Une telle diversité de création est assez rare et ce fut extraordinairement gratifiant de constater le plaisir des interprètes qui avaient le sentiment de «piger dans un gros sac de bonbons».

Les projets à venir

Aussi intense et passionnante que fut la Série hommage, ce n’est en aucun cas un signe de la fin des carrières de Denis Gougeon qui n’a pas l’intention de cesser ses nombreuses activités. Même s’il a prévu quelques semaines de repos bien méritées, les années à venir s’annoncent passionnantes pour le compositeur avec une commande des Violons du Roy pour l’année prochaine et toujours l’espoir de créer un opéra si le bon sujet se présentait. S’il ne fait pas de doute que sa carrière d’enseignant se terminera dans quelques années, il pourra toujours continuer à composer. En attendant, tant qu’il le peut, il compte bien profiter au maximum des bénéfices d’allier enseignement et composition:

Des suggestions pour le prochain compositeur à l’honneur

Après une année d’hommage, Denis Gougeon peut affirmer que pour vivre la Série hommage, la forme physique est essentielle afin de toujours être disponible durant cette course de longue haleine. Idéalement, s’il s’agit d’un(e) enseignant(e), une année sabbatique devrait être envisagée pour répondre aux exigences d’un tel engagement. Cependant, la Série hommage étant un formidable outil de promotion de la musique contemporaine auprès du public, il doit admettre qu’il n’a lui-même pu se résoudre à renoncer à ses activités ni suivre les conseils de son prédécesseur, Ana Sokolovic:

Et vous, après une saison d’hommage, dans le «sac de bonbons» si généreusement offert par Denis Gougeon, quelle est votre confiserie préférée?

Nous avons l’honneur

Bonjour à tous!

Chaque semaine nous faisons des rencontres agréables et toujours intéressantes, mais aujourd’hui, nous avons le grand honneur de vous présenter notre première entrevue avec notre compositeur de l’année, Denis Gougeon. L’occasion se présente alors que la Série hommage arrive à un de ses points culminants avec les concerts « La Chine à l’honneur » de l’Orchestre symphonique de Montréal. Dirigé par Long Yu, l’OSM offrira le privilège d’entendre en première nord-américaine Toy (Music Box), une œuvre pour grand orchestre et flûtes traditionnelles chinoises qui avait valu à Denis Gougeon le Premier prix du Concours international de composition de Shanghai en 2010. Qian Jun et Kai Jin, deux flûtistes chinois avec qui Denis Gougeon était tombé amoureux lors de sa rencontre en Chine et pour qui il avait écrit Toy, seront encore une fois de la partie.

Le programme du concert mettra également à l’honneur Enchantements oubliés, du compositeur chinois Qigang Chen, les Variations sur un thème Rococo, op 33 de Piotr Ilitch Tchaïkovski et la Symphonie no 5, op 47 de Dimitri Chostakovitch.

Pour témoigner notre belle conversation, nous avons enregistré cette vidéo, que nous vous encourageons à regarder avec beaucoup d’attention. Denis Gougeon nous a parlé de son parcours dans le concours de Shangai, de sa belle expérience et de ses motivantes découvertes lors de son voyage en Chine, du processus de création de l’œuvre, de ses souvenirs sur la création de Toy en Chine et de ses attentes quant à la première de la pièce à Montréal. Merci Denis pour ta grande générosité!

Nous vous souhaitons un beau visionnement et nous vous encourageons à assister à cet incontournable de la Série hommage de la SMCQ! Allez-y!

« 4 jeux à 5 », à nouveau

Le Conservatoire de musique de Montréal accueille la deuxième édition des Journées des vents, un festival de quintette à vent conçu par le groupe Pentaèdre. Cette semaine, nous nous sommes rendu au Conservatoire pour écouter le hautboïste Normand Forget, le corniste Louis-Philippe Marsolais, la flûtiste Danièle Bourget, le bassoniste Mathieu Lussier et le clarinettiste Martin Carpentier.

Une scène complètement nue mettait l’accent sur les cinq musiciens, qui sont restés debout pendant tout le concert. Le quintette a commencé son récital avec un compositeur d’aujourd’hui peu entendu dans les salles de concerts, August Klughardt, qui fait partie de la « nouvelle école allemande » et qui a écrit le Quintette op.70, une œuvre plus proche de Brahms ou Mendelssohn que des rhapsodistes qui l’ont inspiré pendant sa jeunesse.  La délicatesse de la sonorité et la technique si précise des interprètes donnent l’impression à l’auditeur que tout ce qu’ils jouent est facile.

Le concert a continué avec une transcription pour quintette à vent de Geoffrey Emerson du Quatuor Les Dissonances KV 465 de W.A. Mozart, qui est une preuve de sa vénération pour Haydn. En fait, les premières phrases de cette pièce, pleines de dissonances, ne laissent pas reconnaître le compositeur. L’expressivité et l’exécution des nuances ont marqué l’interprétation de cette série de six quatuors que Mozart a dédiés à Haydn à la suite d’un choc après avoir écouté ses quatuors les plus récents.

Finalement, l’ensemble a rendu hommage à Denis Gougeon en jouant l’œuvre 4 jeux à 5, qui avait aussi été interprétée la semaine dernière par Pronto Musica. Cette pièce, qui assemble les techniques d’imitation, de miroir, d’inversion et de vitesse dans le premier mouvement et qui offre des solos à tous les instrumentistes dans le quatrième mouvement, a été délicatement et délicieusement interprétée par le quintette, en présence du compositeur. L’interprétation de Pentaèdre fut d’une sensibilité suprême, tout en ayant la force et l’énergie qu’exige la musique de Gougeon.

N’oublions pas non plus la jeune corniste participant au concours Pentaèdre pour jeunes musiciens qui fut invitée – spécialement à la demande du jury pour sa grande musicalité – à jouer la pièce Cor-Jupiter, des Six thèmes solaires de Denis Gougeon.

Pronto… Musica!

Bonjour à tous!

Samedi dernier, nous nous sommes rendus à l’église St. Georges pour assister au premier concert de Pronto Musica Chamber Ensemble, une association à but non lucratif qui se lance sur la scène classique montréalaise. Dirigé par Eli Weinberger et Alexis Hauser, ce nouvel ensemble a pour mission de donner aux jeunes musiciens de Montréal une occasion de se produire professionnellement en concert et de les orienter vers leur carrière d’interprètes.

Ce premier concert fut produit dans le cadre la Série hommage alors que Lara Deutsch (flûte), Krisjana Thorsteinson (hautbois), Eric Abramovitz (clarinette), Daniel Clark (basson) et Gabriel Trottier (cor) nous interprétaient 4 jeux à 5 de Denis Gougeon, une commande pour le quintette à vent Estria, avec l’aide du CAC.

Dans le premier mouvement, Jeux de miroirs, c’est vraiment cela, un jeu labyrinthique où la musique circule d’un côté à l’autre de l’ensemble, alors que dans le deuxième, À la manière d’un kaléidoscope, il y a un processus de transformation de la densité sonore, des couleurs et des modulations qui sonnent à une musique rythmique et piquée, en constant dialogue entre la flûte et le basson. Le Lent et lyrique est le moment des solos instrumentaux et le quatrième mouvement, Comme une danse, honore son titre avec une musique très rythmée, rapide et accentuée.

Pour vous monter cette palette de techniques de composition – d’imitation, de miroir, d’inversion, de vitesse – nous vous offrons la vidéo d’un passage de la pièce 4 jeux à 5:

Le programme a été complété avec le Brass Quintet No. 1, op 5 de Victor Ewald et le Souvenir de Florence, op 70 de Piotr Ilitch Tchaïkovski. La semaine prochaine, ce sera au tour de l’ensemble Pentaèdre d’attaquer 4 jeux à 5 de Denis Gougeon!

« O Mensch » de Dusapin, un classique moderne

Bonjour à tous!

Cette semaine, nous nous permettrons une petite pause dans le suivi de la Série Hommage pour vous parler du concert que le baryton Vincent Ranallo et le pianiste Matthieu Fortin présenteront ce vendredi soir à la Chapelle historique du Bon-Pasteur où ils joueront le magistral cycle de lieder O Mensch du compositeur français Pascal Dusapin sur des textes de Nietzsche. Romantisme français et lyrisme allemand se mêlent dans une pièce qui aborde des thèmes aussi différents que l’humanité, la nuit, la mort, le désespoir, l’amour et le secret, entre d’autres. Cinq jours avant le concert, le soliste Vincent Ranallo nous en parle avec passion!

Vincent Ranallo partage avec nous ces réflexions sur ‘O Mensch’ avant le concert de vendredi. Photo: Caroline Laberge.

« O Mensch de Dusapin est une œuvre hybride, car elle combine des éléments de mélodrame (texte déclamé en divers degrés de parlando ponctué par le piano) à de véritables chansons dont le ton varie de l’ironie mordante, au coup de gueule et à la rêverie philosophique en passant par la peinture de quelques passions bien humaines. Afin de rendre cette riche palette, nous devons réunir une approche vocale comparable à celle exigée par le Wozzeck de Berg, à une grande recherche dans la pureté du timbre et de l’intonation pour faire ressortir les profondeurs de l’âme humaine décortiquée par Nietzsche, une technique qui s’apparente au bel canto ancien de Monteverdi, » explique Vincent Ranallo.

Pour le baryton, le duo formé avec le pianiste est, sous cet aspect, « une refonte de la monodie accompagnée d’une basse continue épousant les remous de la dramaturgie imaginée par le compositeur. » « Si la voix représente toujours la présence mystérieuse de l’humanité, le pianiste alterne entre les rôles d’interlocuteur impertinent, d’ombre portée, de décors théâtral et d’accompagnement pur et simple.  La mobilité et le raffinement de cette relation, ainsi que la précision maniaque de la coordination exigée, nous ont incités, Matthieu et moi, à investir un grand nombre d’heures de répétition afin d’arriver à la plus grande aisance possible. »

D’un autre côté, Vincent Ranallo remarque que toutes ces subtilités, surtout rythmiques, ne doivent pas provoquer un sentiment de contrainte, car « il ne faut pas oublier que Dusapin se considère comme un jazzman frustré: le groove et le swing forment une sorte d’ancrage pour l’extraordinaire liberté d’accentuation à laquelle nous sommes conviés comme interprètes. » À son avis, il s’agit « d’une clé permettant de rejoindre plus directement l’auditeur dans son intériorité: la fluidité presque dansante du flot sonore faisant souvent mine de s’arrêter, de se suspendre à des accords puisant dans la mémoire du romantisme et de l’expressionnisme allemand. »  

Le  très moderne langage de Dusapin glisse parfois ainsi vers une fausse impression de modalité, surtout dans la ligne vocale: « Comme plusieurs compositeurs issus de la tradition française, dont Olivier Messiaen, Gilles Tremblay, les spectraux,  il affectionne la contemplation du son développé dans l’espace. Contrairement à eux, cet amour de la résonance ne me semble pas sacralisée: non pas adoration mais rêverie. Son lien de filiation déclaré à Varèse et à Xenakis est tempéré par la sensualité un peu fétichiste de ses harmonies, complexes dans les détails mais relativement stables globalement, caractéristique qui facilite la réception de cette musique dont la simplicité est extrêmement trompeuse. »

En bref, chacun y trouvera son compte dans ce concert, car « Dusapin intègre et assume dans O Mensch toute la complexité de l’histoire d’un genre musical, aux confins de la cantate in stile representativo, du Liederabend, de la scène mélodramatique et de la chanson de cabaret.  Il crée un cycle qui a de bonnes chances de devenir un classique moderne. » 

Nos chefs-d’œuvre

Bonjour à tous!

Cette semaine c’est au tour des solistes de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) d’être protagonistes de notre Série hommage avec le concert Chefs-d’œuvre d’ici, présenté par la série Tableaux en musique. Le flûtiste Denis Bluteau, le violoniste Luis Grinhauz, l’altiste Lambert Jun-Yuan Chen, le violoncelliste Sylvain Murray et la pianiste Bertha Rosenohl, avec qui nous avons correspondu, présenteront un programme d’œuvres de trois compositeurs québécois: Denis Gougeon, Alexis Contant et Anne Eggleston.

La pianiste Bertha Rosenohl participera au concert Chefs-d’œuvre d’ici dans le cadre de la Série hommage.

Denis Gougeon a écrit Suite privée pour flûtes (do, sol, piccolo), piano et violoncelle en 1988 suite à une commande de l’Ensemble Daedalus et avec l’aide du Conseil des Arts du Canada. Il s’agit d’une suite de quatre conversations à trois instruments sur des sujets qui provoquent l’intériorité et l’introspection intime, en même temps que la discussion heureuse. « Comme l’indique Denis Gougeon, il s’agit d’une pièce de caractère intime, représentant une conversation entre amis, » affirme Bertha Rosenohl, qui assure que l’œuvre « ne comporte pas particulièrement de difficultés techniques pour le piano, si ce n’est que dans quelques passages rythmiques. »

Selon la pianiste, la musique de Gougeon est « très claire et transparente et, grâce à une maîtrise de la connaissance des instruments, recèle une grande beauté sonore. » En fait, Bertha Rosenohl croit que « le message dans la musique de Gougeon est direct et son langage, facile à comprendre. C’est très musical! »

Mais le programme ne se circonscrit pas à la contemporanéité de Denis Gougeon. En effet, elle couvre, du point de vue des styles, trois siècles avec Alexis Contant et le romantisme du 19e siècle, et Anne Eggleston et le modernisme néo-classique du 20e. Alexis Contant (Montréal, 1858-1918), fils de musiciens amateurs, a été compositeur, organiste, pianiste et professeur de musique. Il a surtout composé des musiques d’accompagnement à l’orgue pour chœur, des pièces pour piano solo et orgue, dont son œuvre la plus célèbre La Lyre, et des musiques de chambre, dont le trio pour piano, violon et violoncelle qui sera interprété ce vendredi.

Anne Eggleston (Ottawa, 1934-1994) quant à elle, a été compositrice et professeure, et certaines de ses œuvres ont connu une grande notoriété, tel que le Quatuor à cordes qui a remporté le prix de la meilleure composition du Concours de musique originale de la radio de la SRC à Ottawa en 1964 et qui sera joué dans ce programme de chefs-d’œuvre.

Le concert sera précédé d’une visite guidée de l’exposition ‘Art québécois et canadien du XXe siècle‘ de la collection du Musée des beaux-arts de Montréal. Profitez-en!

Un jeune « Heureux qui comme… »

Bonjour à tous!

Après l’avoir savourée à la soirée d’ouverture de la Série Hommage de la SMCQ, vous pourrez vous amuser encore une fois ce jeudi soir avec une nouvelle interprétation de la pièce Heureux qui comme… de Denis Gougeon par l’Ensemble Musique Avenir et la soprano Magali Simard-Galdès du Conservatoire de musique de Montréal sous la direction de Véronique Lacroix.

Véronique Lacroix dirigera le prochain concert de la Série Hommage.

Pendant cette semaine de pratique, nous avons correspondu avec la directrice artistique qui croit que cette pièce écrite en 1987 est « une œuvre qui respire la joie: celle de vivre et d’aimer, de voyager, comme Ulysse, mais aussi celle d’écrire de la musique, un métier totalement naturel chez ce compositeur. »

« Le sens mélodique est plus que remarquable chez Denis Gougeon qui a aussi un don particulier pour raconter des histoires en musique, même sans aucun mot! » dit Véronique Lacroix en référence au fait que la partie de soprano de l’œuvre n’utilise que des vocalises sur des voyelles et quelques mots inventés. « Une utilisation festive du rythme est aussi l’une de ses caractéristiques, » ajoute-elle.

L’ensemble complétera ce programme avec la création Métalingua du jeune compositeur Jonathan Goulet, qui nous a parlé aussi de son œuvre: « L’idée principale était le mélange de plusieurs courants d’écriture qui ont eu une importance particulière dans l’élaboration de différents langages musicaux, tels que les techniques sérielles, spectrales, modales et tonales. Il n’existe pas réellement de fil conducteur qui dicte l’utilisation de ces techniques, la pièce est plutôt comme un terrain de jeu où différents matériaux se manifestent librement. Parfois, des styles musicaux qui sont fortement associés aux techniques choisies sont clairement évoqués, parfois ce sont carrément des pastiches et parfois le style est plus personnel, » explique Jonathan Goulet. « C’est une œuvre très habile et expressive qui emprunte principalement la forme des variations, » ajoute Véronique Lacroix.

La soprano Magali Simard-Galdès interprétera Heureux qui comme… sous la direction de Véronique Lacroix.

Le concert terminera avec l’œuvre pour ensemble et électronique Manhattanism du compositeur canadien Alec Hall et la pièce Octuor d’Igor Fyodorovich Stravinsky car, selon la directrice, « un programme de concert est comme un bon repas: il doit y avoir une entrée, un met principal et un dessert, agrémentés d’un apéro, d’un bon vin et d’un café digestif, selon le temps qu’on a… Le Stravinsky, avec ses rythmes inspirés du jazz et son instrumentation ‘pétillante’ jumelant habilement quatre cuivres et quatre bois, fera peut-être ici office de… champagne…? » lance Véronique Lacroix. 

Face à face

Bonjour à tous!

Cette semaine, la SMCQ vous propose un concert singulier: deux pianistes, Brigitte Poulin et Jean Marchand, interpréteront face à face cinq œuvres pour deux pianos du répertoire récent, dont une création de notre compositeur à l’honneur cette année, Denis Gougeon. Pour en savoir plus sur le concert de ce dimanche à la Salle Tanna Schulich de Université McGill, nous avons correspondu avec les deux musiciens.

Brigitte Poulin et Jean Marchand joueront une nouvelle pièce de Denis Gougeon, Andante Sostenuto, une œuvre qui s’inspire du poème du même titre de Fernand Ouellet, tiré du recueil intitulé A l’extrême du temps. « Denis est un compositeur post-romantique à l’écriture lyrique et somptueuse. Son écriture pour clavier est toujours très pianistique, donc un pur bonheur pour les mains des exécutants! » nous raconte Jean. Pour Brigitte, cette pièce est « nostalgique et expressive, idiomatique au piano; la forme est un lied, aux contours mélodiques lents et continus; elle nous permet une capacité d’expression concentrée à la fois libre et rigoureuse, » assure-elle.

Ils interpréteront aussi un arrangement de l’œuvre Pulau Dewata de Claude Vivier fait par M. Gougeon : « L’adaptation est rigoureuse. Elle laisse une marge de manœuvre inventive au piano au niveau des articulations et des couleurs, » dit Brigitte, qui pense que Denis Gougeon « est un grand compositeur, prolifique dans des styles à approches très variées, d’une grande sensibilité et générosité. »

Le duo complétera ce programme avec des pièces de Henri Dutilleux, Georges Aperghis et Kevin Volans. « Les mots résonance, réminiscence, réflexion, absorption sont des mots qui me viennent à l’esprit pour décrire notre programme, comme un fil conducteur guide le trajet du début à la fin, » selon la pianiste. Pour Jean, Dutilleux, compositeur de Quatre figures de résonances, « se proposait d’écrire une sorte de « catalogue de résonances » en amorçant ses « Figures de résonances ». » Le pianiste ajoute que, même si son projet est demeuré inachevé, « c’est une œuvre remarquable, très achevée comme tout ce qu’a écrit le compositeur, et qui exploite, entre autres, la résonance des harmoniques du piano; véritable études de timbres, d’attaques, de couleurs. »

« Alter-Face d’Aperghis est une sorte de tropisme musical. Le dialogue très serré des deux pianistes emmène peu à peu ceux-ci dans des zones troubles de dédoublement, de jeux de miroirs déformants et parfois de cache-cache très ludique. C’est une œuvre extrêmement exigeante sur le plan rythmique. Finalement, le compositeur sud-africain Kevin Volans a emprunté le titre Cicada aux toiles et dessins de Jasper Johns. L’œuvre est construite sur des cellules harmoniques répétées et dont on entend, les pianos étant placés assez loin l’un de l’autre,  les très subtiles et sensibles métamorphoses qui finissent par créer un halo harmonique très poignant, » explique Jean Marchand.

La préparation technique du concert a été possible grâce au soutien de la Faculté de musique d’École Schulich de l’Université McGill, où ils sont professeurs. « La collaboration de deux pianistes exige énormément de travail de mises au point de jeu pianistique, d’équilibre sonore, de recherche commune de timbres, d’attaques, de phrasés, de respirations pour finalement devenir un seul pianiste à deux têtes. Cette collaboration avec Brigitte, ma seconde, demeure un pur bonheur artistique, » remarque Jean. Le concert sera précédé par une table ronde à 14h avec John Rea, Denis Gougeon et Louise Bessette animée par Walter Boudreau. Profitez-en!

Partons « À l’Aventure! »

Bonjour à tous!

« Faites attention à la gérance de la nuance. On y va encore une fois! » C’est lundi matin et je me rends à la Salle Claude-Champagne pour assister à une répétition de l’Orchestre de l’UdeM.  Les jeunes musiciens préparent À l’Aventure!, qui sera interprété ce samedi soir sous la direction du maestro Jean-François Rivest. Pendant la pause, ce chef d’orchestre à qui l’université a décerné l’un des rares Prix d’excellence en enseignement, m’accorde gentiment une entrevue.

Jean-François Rivest dirigera l’Orchestre de l’Université de Montréal. PHOTO: Lida Amengual, SMCQ

« Dans cette œuvre, il y a un sens de la jeunesse, de l’aventure, de l’imprévu, de la surprise. Il n’y a jamais d’ailleurs la même musique. Denis a volontairement construit une structure où la musique évolue sans jamais revenir en arrière, un peu comme un road-trip-no-where. On découvre toujours quelque chose de nouveau. C’est une pièce qui nous tient en état alerte tout le temps, qui nous emmène en voyage. L’autre chose, c’est qu’elle est très énergique, il y a vraiment une décharge d’énergie qui va bien avec ces jeunes musiciens qui en sont plein, » explique M. Rivest.

En parlant de la préparation technique du concert, le chef nous dit que « si chaque œuvre a ses propres difficultés, ici il y a beaucoup de travail rythmique à faire. Nous nous sommes aussi concentré sur l’équilibre entre les plans sonores. Parfois les cordes jouent piano et les vents sont fortissimo, parfois il y a un crescendo pour toutes les cordes alors que les autres ne le font pas… et c’est tout cet équilibre de nuances qui crée un paysage avec un relief. »

L’Orchestre de l’Université de Montréal jouera « À l’Aventure! » de Denis Gougeon. PHOTO: Lida Amengual, SMCQ

« L’œuvre de Denis est vraiment extraordinaire. Elle est riche, variée, sérieuse, très incarnée dans les instrumentistes qui la jouent. C’est une musique qui se comprend bien et qui se communique assez facilement. Ce n’est pas un laboratoire, comme il dirait lui-même, Denis ne fait pas ses exercices de composition devant le public, il les fait chez lui, alors l’œuvre est très aboutie. C’est sûr que c’est une musique qui est accessible pour le public, plus que d’autres musiques contemporaines. Pour moi, c’est une qualité de communication, parce qu’au fond je me sens communicateur, ma raison d’être ici c’est de rejoindre les gens et de leur dire : Écoute comme c’est beau! » nous raconte M. Rivest.

Après l’interprétation de l’œuvre de Denis Gougeon, l’Orchestre de l’UdeM et le clarinettiste soliste Victor Alibert joueront la Sonate pour clarinette et piano no 2, op 120 et la Symphonie no 2 (transcription pour clarinette et orchestre) de Brahms. Mais comment mélanger deux compositeurs si différents? « Un mot clé dans tout cela, c’est la tradition. Denis écrit d’une façon moderne en tenant compte de l’évolution de l’orchestre et de la tradition musicale, il connaît très bien ses classiques et il écrit en respect pour les compositeurs du passé. De toutes les époques, les compositeurs ont écrit en s’appuyant et en comprennent les compositeurs avant eux. Je considère que c’est un concert qui met en vedette des jeunes, car on commence en disant à plein poumon: À l’Aventure! Et cette aventure passera par plusieurs étapes: la jeunesse, avec À l’Aventure! de Denis; l’âge du milieu ou l’âge d’or de la vie, avec la Symphonie de Brahms, et la sagesse de la vieillesse avec une de ses dernières sonates, » affirme M. Rivest.

Victor Alibert sera le clarinettiste soliste pendant le concert de samedi. PHOTO: Lida Amengual, SMCQ

Quant au rôle du chef d’orchestre, c’est très clair pour Jean-François Rivest : « Ma responsabilité est de leur demander des modes de jeu qui mettent en valeur les différents styles. Par exemple, dans le cas de Gougeon, on recherche une sorte de sonorité plus moderne sur le chevalet, sans vibrato, chanter en même temps qu’on joue… Même si chaque compositeur a son style de jeu, on se sert aussi de la tradition. À un moment précis de la répétition, je leur ai demandé un son plus « Ravel. » C’est juste une façon pour les musiciens de comprendre ce que je demande au niveau technique. »

« C’est un orchestre de très bon niveau et en tant que jeunes, ils sont prêts à tout expérimenter, ils sont prêts à aller à l’aventure! ». Vous le savez déjà, ce sera un concert à ne pas manquer!